¿Cómo lo hice? Retrato Valeria

Cuando hago retrato, mi proceso siempre inicia de la forma más sencilla posible, principalmente porque el propósito de un retrato es que la persona destaque, ya sea mediante la composición del encuadre, mediante luz, con la profundidad de campo o separándola completamente del entorno mediante fondos, props, mamparos o muebles en locación o estudio.

En el caso de la imagen de Valeria, decidí aislarla totalmente del entorno mediante un fondo y el estilo de iluminación. Algo muy importante a considerar cuándo incluimos un fondo o backdrop en nuestras fotografías, es evaluar qué tan intrusivo es. Muchas veces el fondo se vuelve un distractor en lugar de un elemento que resalte al sujeto. En este retrato el fondo es gris neutro y con muy poca variación en la textura, cualquier persona u objeto que pongamos enfrente va a destacar inmediatamente.

Pasando a la iluminación y de acuerdo a mi primer comentario, solo utilicé una luz, tan simple como eso: un solo flash dentro de un octabox de 70cm, aproximadamente a 80cm de Valeria y a 45˚la derecha de cámara. Si observan con un poco de más detenimiento, podrán darse cuenta que el brillo especular en el rostro, está muy controlado y mantiene la textura de la piel sin sobreexponerla, esto es porque la luz apunta a la pared de forma paralela al rostro y no perpendicular a este, como se acostubra. En un inicio parece poco intuitivo usar la luz de esta forma, "desperdiciando" buena parte de ella, pero el resultado es una gradación más sutil en la luminosidad sobre el sujeto.

Finalmente es importante mantener el fondo alejado de la persona para lograr hacerlo más oscuro y poder evitar "salpicarlo" con demasiada luz, en caso de tener un espacio pequeño, se puede bloquear el octabox con una "bandera" negra o utilizar un honeycomb grid.

A partir de este momento y con este esquema tan simple, lo que queda es "trabajar" con la persona para hacerle sentir cómoda y hacer retratos como el que les presento.

Es importante mencionar que no solo se trata de un par de disparos, inclusive a Valeria, que es modelo profesional, hay que darle tiempo a que las cosas sucedan, hay que tener paciencia y siempre respetar la personalidad del sujeto.

Hoja de contacto, Valeria. Oct 2018

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¿Qué es el grano fílmico, y porqué tanto “ruido” sobre él?

Técnicamente, el grano fílmico, son cúmulos de cristales de haluro de plata suspendidos en la película fotográfica, que es una superficie transparente hecha de acetato de celulosa o poliéster. Esta es una definición muy simplificada, pero podríamos llevarnos varios artículos hablando de los tecnicismos involucrados, y por el momento, no es el caso.

El término “grano”, forma parte del lenguaje fotográfico desde siempre. Pero siendo estrictos, esta expresión solo aplica para la fotografía realizada con película. La fotografía digital no tiene grano, ya que no utiliza una película como medio para retener la imagen, usa un sensor.

En la película fotográfica, el grano está distribuido de una manera aleatoria; en cambio, los sensores digitales, tienen un arreglo uniforme de fotositos perfectamente cuadrados que captan la luz y la traducen en corriente eléctrica de diferentes magnitudes.

Los cristales foto sensibles de haluro de plata, se oscurecen al ser expuestos a la luz mediante la cámara. Si el tamaño de estos cristales es pequeño, la película requiere más luz para generar una imagen, pero tendrá mayor definición. Caso contrario, si los cristales son de mayor tamaño, la imagen requiere menos luz para formarse, por lo tanto, puede ser usada en condiciones de iluminación baja, pero se intercambia sensibilidad por definición. Estos valores de granularidad, se miden mediante el ISO, y cada rollo de película tiene un ISO en particular.

De la misma forma, los sensores de las cámaras digitales tienen diferentes valores de ISO; la diferencia es que no se debe de cambiar de sensor para aumentar o disminuirlo, como en el caso de los rollos de película. En los sensores digitales, mientras más bajo es el valor de ISO, menor sensibilidad de este a la luz, y la calidad de la imagen y del color será mayor. Al subir la sensibilidad del sensor, la calidad de la imagen decaerá y el color comenzará a ser contaminado por dos tipos de ruido: ruido de luminancia (muy parecido al grano de la película) y ruido de color (que genera colores falsos en la imagen, especialmente en los tonos cercanos al negro).

De forma práctica, un ISO alto nos permite tomar fotografías en condiciones de iluminación baja y un ISO bajo nos permite hacerlo en condiciones donde hay mucha luz. Un ISO alto traerá granularidad y un ISO bajo, no.

Vivimos en un mundo de cámaras con sensores con la capacidad de capturar billones de colores y lentes con óptica nunca antes vista. La perfección de las imágenes resultantes se vuelve tan abrumadora, que algunos críticos y fotógrafos consideran la fotografía actual estéril; “dicen que le falta ‘alma’”. Y es en este punto donde el grano juega un papel importante.

La fotografía se ha desarrollado con una serie de expectativas visuales propias del medio de captura (película) y de exhibición (impresión). Estamos hablando de un medio artístico muy joven, los clásicos de la fotografía han trabajado con métodos análogos, y no es hasta la última década del siglo XX que la fotografía digital llega a las masas.

Tenemos un gran bagaje visual conformado de imágenes plasmadas mediante película, con la naturaleza aleatoria del grano y el papel. Sabemos cómo debe de verse una fotografía, y no hablo de lo que hay en la imagen, sino de aquellos elementos que la conforman: luz, sombras, color, textura. Esta última es la que se relaciona de forma íntima con el grano. La textura en la imagen es la que importa, no la del sujeto fotografiado; hay que diferenciar entre ambas pues la segunda es inherente al objeto y podemos manipularla mediante diferentes procesos: maquillaje, dirección de luz, modificar el objeto, etc. Pero la textura de la película está fuera de nuestro alcance, podemos exagerarla o reducirla con procesos de revelado, pero siempre estará ahí, sin el grano no hay fotografía, recordemos que son estos cúmulos de cristales los que generan la imagen.

Hemos abrazado la idea de que todas las fotos tienen esta cualidad orgánica y aleatoria. Esto es lo que le confiere una importancia estética tan grande al grano. Pocos nos detenemos a analizarlo en una imagen, pero cuando no está presente, se nos revela una fotografía que, a nivel subconsciente, resulta artificial.

El grano resulta particularmente atractivo cuando las imágenes se presentan en blanco y negro; incluso la reducción de definición las vuelve pictóricas, casi puntillistas; en otras ocasiones, las vuelve vaporosas. El grano también cuenta una historia dentro de la fotografía, agregando una capa extra de complejidad al concepto de la imagen.

Pero ¿qué es lo que evoca el grano fílmico? Principalmente nos lleva a una época diferente, nos acerca a esa nostalgia de las fotografías de nuestros padres y abuelos. El poder contar nuestras historias modernas con un velo de pasado y elegancia, es lo que ha obligado a la fotografía digital a incorporar al grano en su lenguaje. Es cierto que algunas soluciones para simular emulsiones fotográficas no son una maravilla, pero hay ejemplos muy convincentes, como lo ha demostrado Fuji.

Al final, el grano fílmico es una herramienta más del fotógrafo. Me resulta gracioso que en todas las generaciones de alumnos a las que les he impartido clases, siempre hay alguien que cree que el ISO, y sus valores superiores a 1600, son el origen de todos los males; pero mi consejo siempre es el mismo: “Es preferible tener una fotografía con grano de ese evento que jamás se repetirá, a no tenerla.”

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Manhattan a color, Sept 2018

Por lo general, la estética visual que prefiero para hacer street photo es el blanco y negro, inclusive la cámara está configurada para mostrarme el visor electrónico en b/n, pero siempre disparo en RAW+JPG, de esta forma tengo toda la información de color y todo el rango dinámico que el sensor brinda. El JPG quedará en b/n pero el RAW me permite decidir si una imagen es mejor procesarla en color, como es el caso de todas las imágenes presentadas en este artículo.

El color puede distraer, sobre todo cuando hablamos de tonos muy “pesados” como el rojo o el amarillo, pero hay imágenes que están hechas de acuerdo a un color en particular. Cuando llevo las imágenes a post, lo primero que hago es ajustar el balance de blancos y la saturación, esta última siempre esta por debajo de -10, y en muy pocas ocaciones he pasado de +10. Posteriormente aplico un preset de color y grano que desarrollé y que entinta sombras, tonos medios y luces altas de acuerdo a mi preferencia personal; este preset lo modifico en intensidad o tono de acuerdo a la escena en particular.

Sean Spicer, Ex-Secretario de Prensa de la Casa Blanca para Donald J. Trump.

Es habitual que use curvas muy pronunciadas cuando trabajo en b/n, pero el color es una bestia totalmente diferente, por lo general evito los blancos exagerados y los negros profundos, trato de mantener detalle en todo el rango de la imagen, pero hay situaciones donde el rango dinámico de la cámara no es suficiente, como en el caso de la imagen arriba, en la cual los edificios del fondo están evidentemente sobre expuestos; pero observen como podemos ver lo que hay dentro del cajón donde están sentados.

Mi criterio para dejar una imagen a color es cuando la historia deja de funcionar al sustraerlo de la escena. Hay historias y lugares que no se pueden contar en b/n o tendrán un impacto menor, el color siempre será protagonista, y no es fácil llevarlo a buen puerto cuando lo dejamos hacer cualquier cosa.

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¿Cómo lo hice? Retratos en la calle

Hacer foto urbana puede dar miedo; caminar con una cámara por la calle nos hace resaltar de entre la multitud, y cuando queremos captar escenas cotidianas y espontáneas es no es bueno. Estar en espacios públicos nos da el derecho como fotógrafos de hacer imágenes de personas, eventos y lugares sin tener que dar explicaciones (al menos en México, Estados Unidos y Canadá así funciona la ley, les recomiendo investigar localmente), pero todos sentimos ese nerviosismo antes de dar click, especialmente cuando nos acercamos a alguien que nos resulta interesante.

En un viaje que realicé hace poco a Monterrey, México, comencé a usar una variación de la técnica llamada hip shooting para hacer el retrato de arriba.

La técnica es muy simple y consiste en llevar la cámara colgada del cuello con la correa a una altura cómoda entre el pecho y la cintura:

Personalmente mantengo la mano en la correa y mis dedos ocultan el pulgar con el que disparo.

El gran problema con esta técnica es que al no poder ver por el visor es complicado lograr encuadrar, pero con práctica llegas a conocer el ángulo de visión de tu lente y puedes predecir cuando disparar.

En el caso de la foto de arriba, se puede observar que el ángulo es bajo y que la mano del sujeto está muy cerca de mí, esto es porque no solo estoy disparando desde la cintura, sino que estoy hablando con él, como pueden observar en la secuencia de imágenes:

Le estaba preguntando direcciones como si me hubiera perdido, haciendo que no prestara atención a la cámara.

En la siguiente imagen situación fue similar, aparenté estar perdido y después de algunas fotos decidí pedir permiso al sujeto de hacerle un retrato, accedió con la condición que le diera algo de dinero para una coca-cola.

No todas las fotos deben ser arrebatadas de las personas, está bien preguntar y pedir permiso, sobre todo cuando el sujeto vale la pena.

Así que salgan con su cámara en la mano o en el cuello y busquen personajes interesantes, no tengan miedo de disparar antes de preguntar y no dejen de enganchar con las personas si tienen la oportunidad.

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Manhattan, Sept 2018

Pocas ciudades tienen la personalidad de Manhattan. Cientos de años aglutinados en la calle, modernidad y decadencia arquitectónica, millonarios y mendigos en el mismo vagón del metro, automóviles y peatones de sobra en cada avenida: El paraíso de la fotografía de calle.

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Broadway y la 35, 19 de Septiembre 2018. (Locación)

Suceden tantas cosas en NYC que una vida no alcanza para describir esa ciudad con fotografías. A diferencia de otras ocaciones, mi calendario de citas me permitió pasar tiempo de calidad en la calle. Intencionalmente viajé con muy poco equipo: mi Fujifilm x100t en el cuello todo el tiempo, la Nikon D810+85mm para los retratos que iba a realizar, mi computadora, tableta wacom intuos y mi disco duro portátil. Eso fue todo. Ya tenía planeado recorrer diferentes vecindarios caminando por Broadway.

Broadway y la 35, 19 de Septiembre 2018. (Locación)

Compré un café y un bagle en un restaurante de comida rápida que está en uno de los sótanos de Macy’s. Desayuné en las mesitas de Herald Square con el Empire State al frente y Macy’s a mi derecha, lo curioso es que los famosos aparadores de la tienda estaban cubiertos con una lona.

Broadway y la 35, 19 de Septiembre 2018. (Locación)

La lona no llegaba a cubrir la totalidad de la ventana y se podían ver las piernas de los trabajadores dentro: ahí había una foto segura, solo había que tener un poco de paciencia. Terminé mi desayuno 30 minutos antes de mi primer sesión del día. Me ubiqué hincado entre dos macetas para no reflejarme en el aparador a esperar que las cosas sucedieran. Mantuve la cámara funcionando por mucho tiempo, por lo que siempre llevo 1 o 2 baterías extra, sobre todo cuando sé que voy a pasar más de medio día fuera del departamento.

Broadway y la 35, 19 de Septiembre 2018. (Locación)

No solo es importante tener equipo y paciencia, también hay que estar alerta, sobre todo en una ciudad como NY. Hay cosas que suceden más lentamente, sin tanto bullicio. La ciudad tiene la particularidad de generar imágenes que carecen de temporalidad. Personajes y lugares que se pueden ubicar en 1960, 1995 o 2018, sobre todo si se esconde un poco el contexto de la ciudad.

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