¿Cómo lo hice? Retrato Valeria

Cuando hago retrato, mi proceso siempre inicia de la forma más sencilla posible, principalmente porque el propósito de un retrato es que la persona destaque, ya sea mediante la composición del encuadre, mediante luz, con la profundidad de campo o separándola completamente del entorno mediante fondos, props, mamparos o muebles en locación o estudio.

En el caso de la imagen de Valeria, decidí aislarla totalmente del entorno mediante un fondo y el estilo de iluminación. Algo muy importante a considerar cuándo incluimos un fondo o backdrop en nuestras fotografías, es evaluar qué tan intrusivo es. Muchas veces el fondo se vuelve un distractor en lugar de un elemento que resalte al sujeto. En este retrato el fondo es gris neutro y con muy poca variación en la textura, cualquier persona u objeto que pongamos enfrente va a destacar inmediatamente.

Pasando a la iluminación y de acuerdo a mi primer comentario, solo utilicé una luz, tan simple como eso: un solo flash dentro de un octabox de 70cm, aproximadamente a 80cm de Valeria y a 45˚la derecha de cámara. Si observan con un poco de más detenimiento, podrán darse cuenta que el brillo especular en el rostro, está muy controlado y mantiene la textura de la piel sin sobreexponerla, esto es porque la luz apunta a la pared de forma paralela al rostro y no perpendicular a este, como se acostubra. En un inicio parece poco intuitivo usar la luz de esta forma, "desperdiciando" buena parte de ella, pero el resultado es una gradación más sutil en la luminosidad sobre el sujeto.

Finalmente es importante mantener el fondo alejado de la persona para lograr hacerlo más oscuro y poder evitar "salpicarlo" con demasiada luz, en caso de tener un espacio pequeño, se puede bloquear el octabox con una "bandera" negra o utilizar un honeycomb grid.

A partir de este momento y con este esquema tan simple, lo que queda es "trabajar" con la persona para hacerle sentir cómoda y hacer retratos como el que les presento.

Es importante mencionar que no solo se trata de un par de disparos, inclusive a Valeria, que es modelo profesional, hay que darle tiempo a que las cosas sucedan, hay que tener paciencia y siempre respetar la personalidad del sujeto.

Hoja de contacto, Valeria. Oct 2018

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¿Qué es el grano fílmico, y porqué tanto “ruido” sobre él?

Técnicamente, el grano fílmico, son cúmulos de cristales de haluro de plata suspendidos en la película fotográfica, que es una superficie transparente hecha de acetato de celulosa o poliéster. Esta es una definición muy simplificada, pero podríamos llevarnos varios artículos hablando de los tecnicismos involucrados, y por el momento, no es el caso.

El término “grano”, forma parte del lenguaje fotográfico desde siempre. Pero siendo estrictos, esta expresión solo aplica para la fotografía realizada con película. La fotografía digital no tiene grano, ya que no utiliza una película como medio para retener la imagen, usa un sensor.

En la película fotográfica, el grano está distribuido de una manera aleatoria; en cambio, los sensores digitales, tienen un arreglo uniforme de fotositos perfectamente cuadrados que captan la luz y la traducen en corriente eléctrica de diferentes magnitudes.

Los cristales foto sensibles de haluro de plata, se oscurecen al ser expuestos a la luz mediante la cámara. Si el tamaño de estos cristales es pequeño, la película requiere más luz para generar una imagen, pero tendrá mayor definición. Caso contrario, si los cristales son de mayor tamaño, la imagen requiere menos luz para formarse, por lo tanto, puede ser usada en condiciones de iluminación baja, pero se intercambia sensibilidad por definición. Estos valores de granularidad, se miden mediante el ISO, y cada rollo de película tiene un ISO en particular.

De la misma forma, los sensores de las cámaras digitales tienen diferentes valores de ISO; la diferencia es que no se debe de cambiar de sensor para aumentar o disminuirlo, como en el caso de los rollos de película. En los sensores digitales, mientras más bajo es el valor de ISO, menor sensibilidad de este a la luz, y la calidad de la imagen y del color será mayor. Al subir la sensibilidad del sensor, la calidad de la imagen decaerá y el color comenzará a ser contaminado por dos tipos de ruido: ruido de luminancia (muy parecido al grano de la película) y ruido de color (que genera colores falsos en la imagen, especialmente en los tonos cercanos al negro).

De forma práctica, un ISO alto nos permite tomar fotografías en condiciones de iluminación baja y un ISO bajo nos permite hacerlo en condiciones donde hay mucha luz. Un ISO alto traerá granularidad y un ISO bajo, no.

Vivimos en un mundo de cámaras con sensores con la capacidad de capturar billones de colores y lentes con óptica nunca antes vista. La perfección de las imágenes resultantes se vuelve tan abrumadora, que algunos críticos y fotógrafos consideran la fotografía actual estéril; “dicen que le falta ‘alma’”. Y es en este punto donde el grano juega un papel importante.

La fotografía se ha desarrollado con una serie de expectativas visuales propias del medio de captura (película) y de exhibición (impresión). Estamos hablando de un medio artístico muy joven, los clásicos de la fotografía han trabajado con métodos análogos, y no es hasta la última década del siglo XX que la fotografía digital llega a las masas.

Tenemos un gran bagaje visual conformado de imágenes plasmadas mediante película, con la naturaleza aleatoria del grano y el papel. Sabemos cómo debe de verse una fotografía, y no hablo de lo que hay en la imagen, sino de aquellos elementos que la conforman: luz, sombras, color, textura. Esta última es la que se relaciona de forma íntima con el grano. La textura en la imagen es la que importa, no la del sujeto fotografiado; hay que diferenciar entre ambas pues la segunda es inherente al objeto y podemos manipularla mediante diferentes procesos: maquillaje, dirección de luz, modificar el objeto, etc. Pero la textura de la película está fuera de nuestro alcance, podemos exagerarla o reducirla con procesos de revelado, pero siempre estará ahí, sin el grano no hay fotografía, recordemos que son estos cúmulos de cristales los que generan la imagen.

Hemos abrazado la idea de que todas las fotos tienen esta cualidad orgánica y aleatoria. Esto es lo que le confiere una importancia estética tan grande al grano. Pocos nos detenemos a analizarlo en una imagen, pero cuando no está presente, se nos revela una fotografía que, a nivel subconsciente, resulta artificial.

El grano resulta particularmente atractivo cuando las imágenes se presentan en blanco y negro; incluso la reducción de definición las vuelve pictóricas, casi puntillistas; en otras ocasiones, las vuelve vaporosas. El grano también cuenta una historia dentro de la fotografía, agregando una capa extra de complejidad al concepto de la imagen.

Pero ¿qué es lo que evoca el grano fílmico? Principalmente nos lleva a una época diferente, nos acerca a esa nostalgia de las fotografías de nuestros padres y abuelos. El poder contar nuestras historias modernas con un velo de pasado y elegancia, es lo que ha obligado a la fotografía digital a incorporar al grano en su lenguaje. Es cierto que algunas soluciones para simular emulsiones fotográficas no son una maravilla, pero hay ejemplos muy convincentes, como lo ha demostrado Fuji.

Al final, el grano fílmico es una herramienta más del fotógrafo. Me resulta gracioso que en todas las generaciones de alumnos a las que les he impartido clases, siempre hay alguien que cree que el ISO, y sus valores superiores a 1600, son el origen de todos los males; pero mi consejo siempre es el mismo: “Es preferible tener una fotografía con grano de ese evento que jamás se repetirá, a no tenerla.”

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¿Cómo lo hice? Retratos en la calle

Hacer foto urbana puede dar miedo; caminar con una cámara por la calle nos hace resaltar de entre la multitud, y cuando queremos captar escenas cotidianas y espontáneas es no es bueno. Estar en espacios públicos nos da el derecho como fotógrafos de hacer imágenes de personas, eventos y lugares sin tener que dar explicaciones (al menos en México, Estados Unidos y Canadá así funciona la ley, les recomiendo investigar localmente), pero todos sentimos ese nerviosismo antes de dar click, especialmente cuando nos acercamos a alguien que nos resulta interesante.

En un viaje que realicé hace poco a Monterrey, México, comencé a usar una variación de la técnica llamada hip shooting para hacer el retrato de arriba.

La técnica es muy simple y consiste en llevar la cámara colgada del cuello con la correa a una altura cómoda entre el pecho y la cintura:

Personalmente mantengo la mano en la correa y mis dedos ocultan el pulgar con el que disparo.

El gran problema con esta técnica es que al no poder ver por el visor es complicado lograr encuadrar, pero con práctica llegas a conocer el ángulo de visión de tu lente y puedes predecir cuando disparar.

En el caso de la foto de arriba, se puede observar que el ángulo es bajo y que la mano del sujeto está muy cerca de mí, esto es porque no solo estoy disparando desde la cintura, sino que estoy hablando con él, como pueden observar en la secuencia de imágenes:

Le estaba preguntando direcciones como si me hubiera perdido, haciendo que no prestara atención a la cámara.

En la siguiente imagen situación fue similar, aparenté estar perdido y después de algunas fotos decidí pedir permiso al sujeto de hacerle un retrato, accedió con la condición que le diera algo de dinero para una coca-cola.

No todas las fotos deben ser arrebatadas de las personas, está bien preguntar y pedir permiso, sobre todo cuando el sujeto vale la pena.

Así que salgan con su cámara en la mano o en el cuello y busquen personajes interesantes, no tengan miedo de disparar antes de preguntar y no dejen de enganchar con las personas si tienen la oportunidad.

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Vancouver 2018

Tengo la fortuna de viajar frecuentemente debido al trabajo de fotografía comercial, o gracias a las actividades que realizo en otra empresa de la cual soy socio.

Este mes, regresé a Vancouver, Canadá. Mi primer viaje lo realicé en 2011 y quedé enamorado de la ciudad, definitivamente pocos lugares se le pueden comparar. Aunque mi viaje no fue específico para hacer fotografía, llevé mi Fuji X100T y pude hacer algo de fotografía en la calle en mis viajes diarios en el metro.

Les comparto una pequeña selección de las imágenes más interesantes y más adelante una explicación de la técnica que utilicé para captar algunasa de ellas.

Como se darán cuenta pasé bastante en el metro :)

Esta técnica le llaman “pescar” es decir, permanecer en un lugar hasta que lleguen los sujetos adecuados para complementar la composición encontrada.

Por lo general sucede que encontramos un lugar al cual solo le falta un sujeto, puede ser una persona, un animal, un medio de transporte, etc., aquí es donde debemos tener calma para lograr la imágen. Pero no solo es paciencia, también se necesita suerte, muchas veces nada sucede, y podemos perder horas detenidos en un lugar. La forma más sencilla de tener éxito con esta técnica es encontrar el lugar, ajustar la exposición y composición al llegar y predecir lo que puede suceder.

Cuando tenemos nuestra cámara lista, simplemente hay que disparar cuando llega el elemento que hacía falta. como verán arriba hay varias escenas en el mismo lugar y solo cambian los sujetos o sus interacciones.

Independientemente de si la técnica que utilices, lo más importante es tener la cámara lista para no perder la acción frente a nosotros.

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¿Cómo lo hice? Penn Station NY

En mis cursos de fotografía avanzada resalto el hecho de que, al igual que en la medicina, la fotografía también está llena de especialistas. Habemos fotógrafos que nuestra principal actividad es hacer retrato, otros hacen foto de comida, de producto, moda o eventos. Pero es dificil encontrar un fotógrafo que dedique el 100% de su tiempo a una sola especialidad.

En mi caso, hacer retrato y fotografía de calle/documental, es lo que más disfruto. Y debido a que el día de ayer expliqué cómo hice un retrato, hoy toca foto de calle.

Ahora les cuento cómo hice una de las imágenes que más me gustan en mi portafolio de street-photo.

La foto fué tomada en Noviembre de 2017, en las escaleras de Penn Station en Manhattan.  Recuerdo que hacía frío pero no demasiado. Acababa de salir de B&H photovideo, compré un adaptador de lentes para la sony A7sii que estaba usando y caminé sin un rumbo en particular hasta que llegué a Penn Station.

La Sony llevaba un lente MIR-1 Grand Prix 37mm totalmente manual fabricado en la antigua Union Soviética. Lo más probable es que estuviera en f8 o f11, velocidad de obturación 1/800 e ISO 200. Al ser un lente manual no cuento con la metadata de la apertura, pero es un rango de diafragma común en mis fotos de calle.

MIR-1

Grand Prix Brussels.

De inicio no había notado a la persona recostada en la escalera, solamente tomé dos fotos rápidas de la estación que bien pude haberlas hecho con el celular y no habría mucha diferencia, pero cuando pasaron las personas frente a mí, ví al individuo rodeado de palomas y acostado particularmente cómodo. En la secuencia de imágenes abajo se puede ver como la mujer con las bolsas bajó rapidamente, y por poco no logro captarla cuando su cuerpo estaba frente a la columna y bajando el escalón.

Contacto de la secuencia.

Esas son las 9 fotos que tomé en Penn Station. Tuve la suerte de haber estado suficientemente cerca de la escena para lograr componer la imagen justo a tiempo. El sol estaba detrás del edificio, lo que me permitió tener una escena sencilla de exponer, aunque hay algunos manchones de luz reflejada en las columnas y los escalones, no generaron problema y ayudan a tener un rango tonal más ámpio.

La composición de la imagen es muy afortunada pues si la mujer hubiera estado más cerca, su silueta no estaría tan bien definida contra la columna. Hay lineas de dirección diagonales muy fuertes y en direcciones opuestas, así como paralelas en la parte superior de la foto, generando dos zonas de movimiento muy bien delimitadas pero conectadas.

La aparente simplicidad en las lineas genera dinamismo y balance dentro de la fotografía que complementa el acomodo aleatorio de las palomas que salpican la escena.

Esta imagen posiblemente no vuelva a suceder jamás con este particular acomodo, y ahí radica la belleza de hacer street-photo. Siempre hay una incertidumbre al ver las fotografías en la pantalla de la computadora después de caminar horas por la ciudad.

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